Representação da Morte nos Poemas Selecionados de Sylvia Plath Mohamed Fleih Hassan Instrutor Departamento de Inglês / Resumo A morte é um dos temas significativos e recorrentes na poesia de Sylvia Plath. Este artigo tem como objetivo mostrar as atitudes do poeta em relação à morte. Certos poemas são selecionados para mostrar as diferentes atitudes do poeta em relação à morte: a morte como um renascimento ou renovação e a morte como um fim. Os fatores mais óbvios que moldaram suas atitudes em relação à morte foram a morte prematura de seu pai, que a deixou insegura, e a infidelidade de seu marido, Ted Hughes, que a deixou abatida e melancólica.
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| Representação da Morte nos Poemas Selecionados de Sylvia Plath |
'Duas visões de uma sala de cadáver', 'Ovelhas no nevoeiro', 'Um presente de aniversário', 'Edge' e 'Eu sou vertical' de Plath são selecionadas para delinear suas várias perspectivas em relação à morte. Representação da Morte nos Poemas Selecionados de Sylvia Plath De um modo geral, a morte é representada na literatura de várias maneiras, passando de uma força aterradora ameaçadora para um meio de realização e novos começos.
A morte passou a ser um tema recorrente na poesia de Sylvia Plath devido à morte súbita de seu pai. Sua morte deixou a filha com fortes sentimentos de derrota, ressentimento, pesar e remorso.
Portanto, a ausência do pai influenciou negativamente sua vida emocional, na medida em que ela se reflete claramente em seus poemas. Sylvia Plath (1932-1963) passou em períodos de depressão e houve precursores do ato suicida através de ataques. Entre as razões para sua depressão precoce estão a morte precoce de seu pai, que a deixou insegura e o fracasso em assistir a uma aula de redação em Harvard. Embora tenha conseguido uma cadeira como editora convidada da faculdade, mas ficou monótona sem nada para recorrer em Nova York. Ela terminou com a insatisfação de seu sonho de ser uma escritora de sucesso.
Portanto, ela tomou uma dose excessiva de pílulas para dormir para acabar com sua miséria, mas ela foi salva. 1 Após sessões bem-sucedidas de recuperação psiquiátrica, Plath conheceu Ted Hughes em Cambridge e eles se casaram em 1956. Ela encontrou nele um motivo e um substituto para a ausência do pai. Hughes acreditava em seu presente excepcional. Nesse período, o casal obteve sucesso e fama com seu desenvolvimento poético, principalmente quando tiveram filhos. Seus poemas foram publicados na Grã-Bretanha e na América como The Colossus 1960, que tratava da preocupação de Plath com idéias de morte e renascimento.
O caso de amor de Hughes com outra mulher partiu o coração de Plath, que sofreu a devastação do casamento desfeito. Mudando para um novo apartamento em Londres, ela começou a escrever poemas de raiva, desespero, amor e vingança, mas seus poemas foram lentamente aceitos para publicação. Ela sofreu o colapso traumático e a melancolia que colocou na cabeça em 11 de abril de 1963. 2 A morte passou a ser um tema recorrente na poesia de Sylvia Plath, e esse tema foi representado de diferentes maneiras em seus poemas.
Ela realmente envolveu o leitor de maneira pessoal ou impessoal para ver a morte como uma força libertadora ou como uma experiência deprimente e perturbadora. Sua representação da morte é refletida pelo uso de técnicas como imagens, linguagem, estrutura e tom. Sua atitude negativa em relação à morte é causada pela morte precoce de seu pai, que a deixou deprimida. Em seu poema "Duas visões de uma sala de cadáveres" (1959), ela apresenta um ponto de vista pessimista em relação à morte. Este poema narra uma experiência que ela teve ao namorar um jovem estudante de medicina de Harvard.
Ela seguiu o namorado e alguns outros estudantes de medicina até uma sala de operações onde os estudantes estavam ocupados dissecando um cadáver preservado. A oradora e o namorado ficam horrorizados com a experiência; o narrador oferece duas visões da sala de cadáveres como possibilidades alternativas de representar a morte na arte; a visão física da morte e a visão romântica da morte. Uma visão é resumida na sala do cadáver contrastando com a romântica da morte, representada por um detalhe de uma pintura de Brueghel representando dois amantes, que são feitiços delimitados um pelo outro e descuidados com a destruição e devastação ao seu redor. O poema está escrito em duas partes. A primeira parte cria um cenário fútil, no qual as coisas são descritas em uma "sala de dissecação", o que sugere um clima de desânimo. Ela o fez pelo uso de símile desolado, comparando cadáveres com “perus queimados”: no dia em que visitou a sala de dissecação. Eles tinham quatro homens deitados, pretos como perus queimados, já meio perdidos. (II. 1-3) O local 'sala de dissecação' sugere impiedade e desumanização. Os cadáveres são anatomizados e os ossos são removidos, o que sugere uma imagem horrível.
A poetisa compara a morte com o dissecador, na qual tira o espírito do corpo, como fez o médico ao dissecar os principais constituintes dos corpos. A morte aqui representa uma força aterradora que aniquila a vida do homem. A sala de dissecação serve como epítome do espaço científico, ou seja, o espaço da morte. E esse é o espaço não apenas do testemunho feminino e da passividade feminina ", ela mal conseguia entender alguma coisa / nos escombros de placas de caveira e couro velho", mas também de uma doação de homem para mulher, de cientista para poeta.
O processo de dissecação do cadáver indica a selvageria e o descuido do cirurgião, que corta o coração; o símbolo da vida e dos sentimentos do homem. O cirurgião está associado à morte, no sentido em que extrai o coração do corpo. - Ele entrega a ela o coração cortado como uma herança rachada. O símile apresenta uma imagem pessimista muito inútil para o coração. O coração não é apenas reduzido a uma máquina que não funciona, mas um homem entrega a morte a uma mulher. O coração é o mais querido pelo homem e é comparado à herança que contém a memória dos mortos, mas é arrancada maliciosamente.
A morte passou a ser uma herança inevitável. 4 Em muitos de seus poemas, o que Plath percebe é uma figura da morte que ameaça engoli-la, a menos que ela possa reafirmar sua identidade viva "consertando" e, assim, imobilizando seu inimigo em uma imagem poética estruturada. Plath transforma a morte assumindo o papel de um jornalista fotográfico que observa os detalhes de maneira a controlar a cena com o poder transformador da linguagem. Ela segue a técnica de fundir várias imagens visuais de maneira significativa. Portanto, ela transcende o imediatismo literal do que vê e cria ordem a partir do caos. A segunda parte paradoxa a primeira, mostrando um casal que ignora os horrores da morte. Sua ignorância da sombra da morte ao seu redor intensifica seu trágico fim catastrófico: duas pessoas são cegas apenas para o exército de carniça: Ele, flutuando no mar de suas saias de cetim azul, canta na direção de seu ombro nu, enquanto ela se curva, Dedilhando um folheto de música sobre ele, ambos surdos ao violino nas mãos Da cabeça da morte sombreando sua música. (II. 13-19) Plath acha que a segunda visão era insustentável.
Confrontar a fisicalidade literal da morte (como o narrador faz na primeira estrofe) e ignorar essa realidade (como os amantes fazem na pintura de Brueghel) parecem irremediavelmente românticos e ingênuos. A única maneira de abandonar a dolorosa consciência da morte iminente é abandonando a própria vida. Plath cometeu suicídio em seu apartamento, mudando a si mesma e a seu trabalho para o domínio do mito e da especulação psicomística. A segunda visão da morte é a doação da morte que é interrompida pelo art. Paradoxalmente, essa interrupção da morte pela arte é em si um tipo de morte, um congelamento da vida.
O poema examina com um olho cego e um ouvido surdo. Se a cegueira e a surdez dos amantes da música da morte lhes permitem "florescer", esse florescimento não é "por muito tempo". Paradoxalmente, a obra de arte salva da morte paralisando ou fixando os vivos em um presente absoluto, ou seja, um presente aperfeiçoado, mas sem futuro: essa paralisação do triunfo da morte pela arte, essa resistência da arte à morte é em si uma tipo de morte, uma vez que nos lembra que aqueles amantes capturados no presente absoluto da arte não podem fazer nada.
Assim como existem dois tipos de música aqui - a cabeça da morte e a dos amantes -, a arte não é colocada em nenhuma oposição simples à morte. 6 Existem dois tipos de morte: por um lado, a morte como processo, como renascimento ou renovação, como imaginário; e, por outro lado, a morte como fim, como factualidade. Plath cavalga para a morte em 'Sheep in Fog' (1963), mas a morte não é mais concebida como renovação. O objetivo em 'Ovelhas no nevoeiro' se torna a 'água escura': Eles ameaçam me deixar passar para um céu Sem estrelas e sem pai, uma água escura. (II. 13-15) O sentido de dissolução é dominante neste poema através de sua descrição do plano de fundo do poema.
Cada linha e cada estrofe do poema diz respeito ao desaparecimento de algo. "as colinas entram na brancura", "a manhã está escurecendo" e o céu sem estrelas a deixa desanimada e miserável. 7 'Ovelhas no nevoeiro' sugere que há uma separação radical do poeta e da poesia, uma morte do poeta que é a vida da poesia, mesmo que seja a que está de luto pelo poeta. A impessoalidade da poesia posterior de Plath não é alcançada através de um auto-sacrifício ético do eu empírico e autobiográfico do poeta, no interesse de uma validade universal, um tipo de imortalidade ou prova contra a morte.
Pelo contrário, é uma impessoalidade na qual existe uma relação altamente paradoxal e instável entre poeta e poesia. 8 "Um presente de aniversário" (1962) é outro monólogo dramático em que predomina o terror e a morte. A pessoa anseia por conhecer o presente apresentado por seu amigo. O interlocutor, a amiga e o objeto conversam na cozinha. Ela imagina que o presente possa ser 'ossos', 'um botão de pérola' e 'uma presa de marfim'. Cada uma dessas coisas tem cor branca e sugere a natureza do presente de aniversário que ela deseja.
Os três objetos brancos - ossos, pérola e presa de marfim - sugerem a morte porque já fizeram parte de organismos vivos. A persona fala dos véus ao redor do presente. Para remover o véu oculto, que causa ansiedade e medo, o falante exige o fim da triagem da morte. Ela compara sua vida no final do poema à chegada pelo correio de partes de seu próprio cadáver. No final, o falante exige como presente de aniversário não os símbolos da morte mencionados anteriormente ou a figura que representa a morte, mas a própria morte: 9 Se fosse a morte
Eu admiraria a profunda gravidade disso, seus olhos atemporais. Eu saberia que você estava falando sério. Haveria uma nobreza então, haveria um aniversário. E a faca não esculpe, mas entra Pura e limpa como o choro de um bebê, E o universo desliza do meu lado. (II. 52-58) O poema dramatiza seu aniversário como sua morte. O drama de "Um presente de aniversário" é assustador na transformação de uma ocasião doméstica e feliz em uma celebração do suicídio. Ele captura o movimento da mente do falante enquanto ela se lança na sequência de passos que podem levá-la a se matar.
A segunda perspectiva de Plath em relação à morte é que ela pode ser escolhida pelo próprio indivíduo como um meio de autodestruição, em vez de agir como uma força exterminadora horrível. A poetisa tem como objetivo mostrar o sofrimento e a agonia da pessoa em selecionar a morte como um meio de libertação do mundo antagônico da pessoa. Essa perspectiva é refletida no 'Edge' de Plath, escrito em 5 de fevereiro de 1963 e considerado o último poema de Plath. Segundo Seamus Heaney, um dos biógrafos de Plath, o poema era uma nota de suicídio, ou seja, uma comunicação autobiográfica inteiramente pessoal de uma mulher melancólica angustiada.
Por esse motivo, o poema é limitado pela morte literal do poeta, uma morte que não pode deixar de ser lida novamente no poema. 10 Essa morte é uma negatividade que renova e funciona dentro de uma economia da vida. Esta não é apenas uma morte imaginária, mas a morte como figura da própria imaginação, como uma negatividade que pode ser aproveitada no interesse da vida. Este poema leva o leitor não apenas ao limite da vida, mas também ao limite da poesia. E, no entanto, se nesse poema a mulher é "aperfeiçoada", é através de uma morte que assume a forma de um objeto estético, mas na qual a ênfase, no entanto, recai muito sobre a ilusão.
O orador deste poema não suporta a angústia de sua vida e sente que sua miséria acabou: A ilusão de uma necessidade grega Flui nos pergaminhos de sua toga. Seus pés nus parecem estar dizendo: Chegamos tão longe, está acabado. (II. 4-8) Os pés descalços simbolizam a falta de proteção e imunidade. O tom parece submisso, mas indica a disposição de aceitar a morte como uma saída e fuga do mundo agressivo. A persona se sente alienada no mundo ao seu redor. Ninguém se importa com a morte da pessoa, nem com a lua. - A lua não tem nada com que ficar triste. Portanto, ela começa a procurar algo além da morte, que é o desejo de perfeição. Normalmente, as rosas simbolizam a pureza; por isso, ela compara o dobramento dos cadáveres das crianças como pétalas de uma rosa perto. Portanto, ela pensa que através da morte, ela terá um novo começo. 11 A morte como meio de renascimento é refletida no 'Eu sou vertical' de Plath. Ela define imagens tiradas da natureza como pano de fundo de seu poema. Esse uso da natureza como cenário de seu poema mostra a morte não como uma coisa horrível e monstruosa. Ela apresentou duas imagens animadas e frutíferas da natureza e depois nega sua simpatia a elas:
Eu não sou uma árvore com a minha raiz no despojo Sugando minerais e amor maternal Para que a cada março eu possa brilhar em folhas, Nem eu sou a beleza de um canteiro de jardim Atraindo minha parte de Ahs e pintada de maneira espetacular, Desconhecendo que devo logo ser incompetente . (II. 2-7) A persona sente rejeição ao ambiente quando 'as árvores e as flores espalham seus odores frios. Eu ando entre eles, mas nenhum deles está percebendo. 'Isso representa a negligência da sociedade e as restrições sociais que o indivíduo sente. "todo mês de março eu brilha em folha" sugere a continuidade da vida e da regeneração.
Ela deseja se unir à natureza através da morte; a natureza que simboliza serenidade e tranquilidade, 'Então o céu e eu estamos em uma conversa aberta'. A palavra "céu" dá à morte a sensação de espiritualidade e elevação. O orador não está satisfeito em sua vida e ela aceita a morte como um meio de reconhecimento: E eu serei útil quando finalmente me deitar: Então as árvores podem me tocar pela primeira vez e as flores têm tempo para mim. (II. 19-20) A vida de Plath termina em um mundo de morte e desânimo, do qual não há renascimento ou transformação.
